Análisis de Cine Moderno y Contemporáneo III
Dictado por Gustavo Galuppo
La idea de un Cine Moderno parte de aquellas películas que desde la década del 60 pusieron el foco sobre la crisis del relato clásico y su discutible vocación ilusionista. Escapando de los modelos cinematográficos establecidos, una gama por demás de heterogénea de autores y obras esbozan ideas a contracorriente que ponen de manifiesto la capacidad reflexiva del cine sin abjurar de su pasado. El Cine Moderno, de ningún modo, supone entonces la abolición de lo narrativo, sino por el contrario la ampliación de sus límites y la reflexión sobre sus funciones. Pero si con algo rompe violentamente este cine, es con la necesidad de establecer un 'sistema de emociones comunes', para proponer en cambio una poética en la que el espectador es requerido como parte funcional de la construcción.
Este taller propone entonces un acercamiento reflexivo a ciertos aspectos fundamentales de este cine, abordando en cada propuesta autores y ejes temáticos diferentes a través de los cuales se pueda ir perfilando un panorama ilustrativo y heterogéneo.
Ejes temáticos:
Introducción: opacidad y transparencia (la puesta en crisis del relato clásico)
Jean-Luc Godard y sus distintas ‘etapas’ como paradigma de la ruptura.
La errancia como estructura narrativa (el debilitamiento de las formas narrativas clásicas)
El eje Rossellini –Antonioni y su reflejo en las formas actuales.
Ho Yuhang, Tsai Ming Liang, Gus Van Sant.
El tiempo de la imagen (acerca de la inscripción del tiempo en la imagen del cine contemporáneo)
La fascinación del tiempo, Bela Tarr.
Otras aproximaciones, Nuri Bilge Ceylan, y Hou Hsiao Hsien.
Posturas extremas, las películas de James Benning y los videos de Bill Viola.
Una cuestión de límites (las huellas de lo real en la ficción)
La hibridación en la puesta en escena de la ficción, introducción de elementos ‘documentales’.
Los límites en las categorías de ficción y documental, Abbas Kiarostami, Jia Zhang-ke, y Pedro Costa.
La opacidad del relato (formas narrativas autorreferenciales)
La fragmentareidad y la desconexión en Alexander Kluge y Pere Portabella.
Las formas de la ficción y el ensayo en Jean Luc Godard.
La palabra y la distancia reflexiva, Straub y Huillet.
La indeterminación (lo real y lo imaginario) y los universos coexistentes en Alain Robbe-Grille y Raoul Ruiz.
Comienza: miércoles 3 de agosto 2011
Día y Hora: miércoles de 19:30 a 21:30hs.
Duración: 4 encuentros un día a la semana de 2:00hs.
Costo: total: $200;en dos pagos, primer pago la inscripción $100, segundo pago el primer día de clase $100. (total $200)
Grupos: mínimo 5, máximo 10 personas.
Por mayor información:
www.elartedelaluz.com
Consultas e inscripciones:
de lunes a jueves de 18 a 20:30hs o llamando al 4497865 - 155635444
El Arte de la luz /Instituto fotográfico-Fotogalería
Doreego 59/D
sábado, 9 de julio de 2011
viernes, 11 de marzo de 2011
Análisis de Cine Moderno y Contemporáneo II
El arte de la luz - Fotogalería
Dorrego 59/D, Rosario
Inscripción, consultas e información: de lunes a viernes de 18:00 a 20:00hs
ó por e-mail: contacto@elartedelaluz.com
ó tel 4497865-155635444.
www.elartedelaluz.com
Comienza: miércoles 13 de abril 2011
Día y Hora: miércoles de 18:30 a 20:30hs.
Duración: 4 encuentros un día a la semana de 2:00hs.
Costo total: $180;en dos pagos, primer pago la inscripción $80, segundo pago el primer día de clase $100. (total $180)
Grupos: mínimo 5, máximo 10 personas.
Se entrega certificado de asistencia.
Consultar por otros días y horarios.
PROGRAMA
Análisis de Cine Moderno y Contemporáneo II
Algunas cuestiones puntuales relacionadas con los elementos expresivos del cine moderno.
Dictado por Gustavo Galuppo
Propuesta:
La idea de un Cine Moderno parte de aquellas películas que desde la década del 60 pusieron el foco sobre la crisis del relato clásico y su discutible vocación ilusionista. Escapando de los modelos cinematográficos establecidos, una gama por demás de heterogénea de autores y obras esbozan ideas a contracorriente que ponen de manifiesto la capacidad reflexiva del cine sin abjurar de su pasado. El Cine Moderno, de ningún modo, supone entonces la abolición de lo narrativo, sino por el contrario la ampliación de sus límites y la reflexión sobre sus funciones. Pero si con algo rompe violentamente este cine, es con la necesidad de establecer un 'sistema de emociones comunes', para proponer en cambio una poética en la que el espectador es requerido como parte funcional de la construcción.
Este curso propone entonces un acercamiento reflexivo a ciertos aspectos fundamentales de este cine que, desde Godard y Manoel de Oliveira, pasando Straub y Huillet o Chantal Akerman, hasta los más contemporáneos Weerhasethakhul o Eugene Green, proponen una mirada inusual, única y perturbadora, sobre un fenómeno expresivo que nunca se reduce una cuestión de 'buenas historias', sino al modo en que estas adoptan una forma particular e intransferible, la forma del cine y su conflictiva relación con el espectador.
Modalidad:
4 clases.
1 clase semanal de 2 horas.
Ejes temáticos:
Algunas cuestiones generales sobre cine clásico y cine moderno
Una introducción a los conceptos de cine clásico y cine moderno.
El tiempo de la imagen
Acerca de la inscripción del tiempo en la imagen del cine contemporáneo.
Posturas extremas, las películas de James Benning y los videos de Bill Viola.
El tiempo suspendido, el ‘minimalismo’ de Lav Diaz.
La fascinación del tiempo, Bela Tarr.
Otras aproximaciones, Nuri Bilge Ceylan, Sharunas Bartas.
Acerca de lo irrepresentable (filmar la palabra)
La puesta en escena de la palabra.
La función del diálogo y la mentira en el cine de Eric Rohmer.
La cualidad de la palabra y la desnaturalización de la imagen, sobre films de Manoel De Oliveira, Joao Cesar Monteiro, y Straub y Huillet.
Lo irrepresentable en el cine de Marguerite Duras.
Filmar la palabra, las películas de Eugene Green.
La inscripción del cuerpo
Diferentes relaciones entre cuerpo, cámara, y espectador.
El cuerpo y las acciones ordinarias, de Chantal Akerman a Masahiro Kobayashi.
La fragmentación del cuerpo, de Robert Bresson a Michael Haneke.
Vigilancia y exterioridad, “En el cuarto de Vanda”, de Pedro Costa
Trascender el cuerpo, el cine de Phillipe Grandrieux.
La opacidad del relato
Formas narrativas que se resisten al sentido único.
La fragmentareidad y la desconexión en Alexander Kluge y Pere Portabella.
La indeterminación (lo real y lo imaginario) en Alain Robbe-Grillet.
Las formas del collage en Jean Luc Godard
El relato en espejo de Apichatpong Weerasethakul.
Cuestiones generales sobre el cine asiático actual
Breve recorrido por ciertas tendencias actuales del cine realizado en Japón, Filipinas, Malasia, y Taiwán.
Dorrego 59/D, Rosario
Inscripción, consultas e información: de lunes a viernes de 18:00 a 20:00hs
ó por e-mail: contacto@elartedelaluz.com
ó tel 4497865-155635444.
www.elartedelaluz.com
Comienza: miércoles 13 de abril 2011
Día y Hora: miércoles de 18:30 a 20:30hs.
Duración: 4 encuentros un día a la semana de 2:00hs.
Costo total: $180;en dos pagos, primer pago la inscripción $80, segundo pago el primer día de clase $100. (total $180)
Grupos: mínimo 5, máximo 10 personas.
Se entrega certificado de asistencia.
Consultar por otros días y horarios.
PROGRAMA
Análisis de Cine Moderno y Contemporáneo II
Algunas cuestiones puntuales relacionadas con los elementos expresivos del cine moderno.
Dictado por Gustavo Galuppo
Propuesta:
La idea de un Cine Moderno parte de aquellas películas que desde la década del 60 pusieron el foco sobre la crisis del relato clásico y su discutible vocación ilusionista. Escapando de los modelos cinematográficos establecidos, una gama por demás de heterogénea de autores y obras esbozan ideas a contracorriente que ponen de manifiesto la capacidad reflexiva del cine sin abjurar de su pasado. El Cine Moderno, de ningún modo, supone entonces la abolición de lo narrativo, sino por el contrario la ampliación de sus límites y la reflexión sobre sus funciones. Pero si con algo rompe violentamente este cine, es con la necesidad de establecer un 'sistema de emociones comunes', para proponer en cambio una poética en la que el espectador es requerido como parte funcional de la construcción.
Este curso propone entonces un acercamiento reflexivo a ciertos aspectos fundamentales de este cine que, desde Godard y Manoel de Oliveira, pasando Straub y Huillet o Chantal Akerman, hasta los más contemporáneos Weerhasethakhul o Eugene Green, proponen una mirada inusual, única y perturbadora, sobre un fenómeno expresivo que nunca se reduce una cuestión de 'buenas historias', sino al modo en que estas adoptan una forma particular e intransferible, la forma del cine y su conflictiva relación con el espectador.
Modalidad:
4 clases.
1 clase semanal de 2 horas.
Ejes temáticos:
Algunas cuestiones generales sobre cine clásico y cine moderno
Una introducción a los conceptos de cine clásico y cine moderno.
El tiempo de la imagen
Acerca de la inscripción del tiempo en la imagen del cine contemporáneo.
Posturas extremas, las películas de James Benning y los videos de Bill Viola.
El tiempo suspendido, el ‘minimalismo’ de Lav Diaz.
La fascinación del tiempo, Bela Tarr.
Otras aproximaciones, Nuri Bilge Ceylan, Sharunas Bartas.
Acerca de lo irrepresentable (filmar la palabra)
La puesta en escena de la palabra.
La función del diálogo y la mentira en el cine de Eric Rohmer.
La cualidad de la palabra y la desnaturalización de la imagen, sobre films de Manoel De Oliveira, Joao Cesar Monteiro, y Straub y Huillet.
Lo irrepresentable en el cine de Marguerite Duras.
Filmar la palabra, las películas de Eugene Green.
La inscripción del cuerpo
Diferentes relaciones entre cuerpo, cámara, y espectador.
El cuerpo y las acciones ordinarias, de Chantal Akerman a Masahiro Kobayashi.
La fragmentación del cuerpo, de Robert Bresson a Michael Haneke.
Vigilancia y exterioridad, “En el cuarto de Vanda”, de Pedro Costa
Trascender el cuerpo, el cine de Phillipe Grandrieux.
La opacidad del relato
Formas narrativas que se resisten al sentido único.
La fragmentareidad y la desconexión en Alexander Kluge y Pere Portabella.
La indeterminación (lo real y lo imaginario) en Alain Robbe-Grillet.
Las formas del collage en Jean Luc Godard
El relato en espejo de Apichatpong Weerasethakul.
Cuestiones generales sobre el cine asiático actual
Breve recorrido por ciertas tendencias actuales del cine realizado en Japón, Filipinas, Malasia, y Taiwán.
martes, 20 de octubre de 2009
DESENCUADRES
Ciclo-Taller sobre análisis de cine moderno, contemporáneo, y experimental
Dictado por Gustavo Galuppo
Teatro Del Rayo – Salta 2991, Rosario
Los miércoles de noviembre desde las 19 hs.
Informes e inscripción:
ggaluppo@yahoo.com
laboratorio@elrayomisterioso.org.ar
Inscripción al taller (incluye proyecciones del ciclo): $80
Entrada proyecciones: $5
Este taller propone un recorrido por diversas cuestiones relacionadas con la representación que se han convertido en fundamentales desde la ruptura provocada por el cine moderno en la década del 60. Ejes temáticos estructurados en torno a problemáticas específicas, planteos que han resultado puntos de inflexión en el pensamiento del cine y del audiovisual en general. Sin conservar un posible orden histórico ni diferenciar formatos o categorías, las diversas manifestaciones del cine y el video serán abordadas desde la reflexión suscitada por sus más radicales búsquedas formales, por los más profundos replanteos del esquema narrativo clásico.
La modalidad del taller tendrá como base el desarrollo de estos temas puntuales (ver más abajo) graficados con la exhibición de material relacionado (obras cortas o fragmentos), para cerrar cada encuentro con la proyección de un largometraje completo acompañada por un corto. Esta presentación doble intenta producir un diálogo entre obras que abordan el punto tratado desde ópticas diversas.
A los participantes del taller se les entragará un cuadernillo con una selección de textos en los que algunos de los teóricos contemporáneos mas destacables desarrollan los temas abordados: Raymond Bellour, Pascal Bonitzer, Jacques Aumont, y Raquel Schefer.
Las proyecciones que comienzan a las 21 hs. son abiertas al público en general, independientemente de la participación en el taller.
Contenidos del Taller
La detencion de la imagen / el cine 'revelado' por la fotografía
(sobre cortos o fragmentos de obras de E.J. Marey, J-L Godard, Toshio Matsumoto, Isaki Lacuesta, Agnes Varda, Bill Viola, Sergei Losnitza)
Jean-Luc Godard, con “Sálvese quien pueda (la vida)”, de 1980, hace entrar al cine narrativo en una instancia autorreflexiva hasta entonces inédita (aunque ya existente en el cine experimental); la imagen-cine es detenida, analizada, llevada hasta el fotograma para congelar el flujo de imágenes y exhibir la materialidad misma del cine. Allí se establece otra relación de la imagen-cine con el espectador (por medio de la fotografía), una ruptura, una suspención. Este gesto, esta operación ampliamente difundida después por el dispositivo analítico del video, es abordado aquí desde ópticas, implicancias, y autores diversos, tomando como eje la visión del tema ampliamente desarrollada por Raymond Bellour en muchos de sus textos.
Diálogos: algunas cuestiones sobre la puesta en escena híbrida / cine-teatro-pintura-video-digital
(sobre cortos o fragmentos de obras de Hans J. Syberberg, Marguerite Duras, Masahiro Shinoda, Seijum Suzuki, Woody Vasulka, Pat O'Neil, Mihau Grecu)
Si algo destituye el cine moderno no es lo 'narrativo', sino ese 'sistema de emociones comunes' (la risa, el llanto, el temor) sobre el que el cine clásico sustentaba su eficacia, su relación de dominio con el espectador (la famosa indentificación). Mediante la hibridación de la puesta en escena se elabora un distanciamiento que no anula la posibilidad narrativa, sino que la sumerje en un sistema de emociones más complejo, reflexivo, libre y poético. La imitación de la percepción natural, del efecto de realismo en la imagen, es sustituido por una composición en la que se incluyen elementos del teatro y de la pintura, y en la que el video llega finalmente para des-representar, para quitarle lo en apariencia 'natural' a la imagen. Otra imagen nace con el cine moderno, más ligada al cine experimental y al videaorte; una imagen que descree de 'lo real', o que lo reinventa a través de variados procedimientos de puesta en escena. Una imagen que basa su relación con el espectador en la mirada reflexiva antes que en la identificación.
Tanto Pascal Bonitzer como Jacques Aumont, son lo teóricos que más han buceado en esta problemática.
La (de) construcción de la ficción / o la ficción autorreflexiva
(sobre cortos o fragmentos de obras de Alain Robbe-Grillet, Sebastian Diaz Morales, Pere Portabella, Hong Sang-Soo, J-L. Godard)
Si la imagen ya se ha detenido, si la puesta en escena se ha alejado de la represenación realista, es ahora el relato el que se pone en crisis, pero no mediante la negación (como en el cine experimental) sino a través de un gesto autorreflexivo. La narración exhibiendo el mismo proceso de su construcción, pensándose a si misma. Ya nada es transparente, nada es ingenuo en este cine, no estamos frente a acontecimientos que se entregan como 'veradaderos'; estamos frente a la pura construcción del relato, a sus mecanismos íntimos, al puro artificio del funcionamiento narrativo del cine.
En primera persona /reflexiones, diarios, autorretratos, videocartas
(sobre cortos o fragmentos de obras de Shuji Terayama/Shuntaru Tanikawa, Naomi Kawase, Stan Brakhage, Edgar Endres, Guillermo Cifuentes, David Perlov, Jonas Mekas, Andres Denegri, Chris Marker, Hernan Khourian, J-L Godard)
De la literatura al cine; la enunciación en primera persona, un terreno conflictivo, un territorio cinematográfico de litigio (el gran escollo de la enunciación narrativa). Podría decirse que el “Yo” escrito no tiene un paralelo en la imagen-cine, sin embargo diversos procedimientos se ponen en marcha en la historia del audiovisual (y aún más desde la tecnología del video). Autobiografías, autorretratos, diarios filmados, cartas 'escritas' en video; una gran multiplicidad de procedimientos se han puesto en funcionamiento para estalecer el 'yo' como presencia fundante, ese nexo entre lo íntimo y lo público, entre lo privado y lo universal. Acerca de ello, nuevamente Bellour es uno de los grandes exponentes teóricos, pero también Raquel Schefer. A partir de ellos se abordará un cuerpo diverso de obras centrados en esa cuestión.
El ciclo /Programa
Miércoles 4 de noviembre, 21 hs.
Coloquio de perros
Raoul Ruiz, 1977 – Francia / 22 min.
Este extraño cortometraje es tal vez una de las obras más notables del prolífico y virtuoso Raoul Ruiz. Construído íntegramente por fotos fijas (con la excepción de los inserts que hacen referencia al título), en pocos minutos elabora una enigmática trama cíclica en la cual la misma historia se encarna en distintos personajes. Los habituales universos intrincados de Ruiz cobran forma en “Coloquio de perros” a partir de la sucesión de instantes, una alucinada cadena de instantáneas fotográficas que parece decir que el cine a fin de cuentas no es movimiento, sino tiempo, pero un tiempo puramente cinematográfico.
Día tras dia
Jean Daniel Pollet / Jean Paul Fargier, 2007 – Francia /65 min.
“Jean-Daniel Pollet habita el mundo igual que su casa: inmóvil. Un grave accidente lo dejó clavado ahí, en ese lugar: una casa en el centro de un gran jardín. No puede recorrer el mundo: lo contempla día tras día desde su casa. Él es cineasta. Ha vivido sólo para hacer películas. Se imagina haciendo un film con todas sus imágenes fijas, reviviendo por su conjunción, yuxtaposición, sucesión.
Esto es terrible. Estaba escribiendo el guión para la película de mi amigo Jean-Daniel Pollet y ahora, después de su muerte, tengo que dirigir este film, tragar toda la tristeza- (…) Las imágenes de esta película ya existen, y al mismo tiempo no existen. No son las verdaderas imágenes de la película. Aunque estén en el orden correcto, solamente forman un álbum. No son todavía un film. Estas fotos son retoños que deben crecer, florecer, volverse imágenes”.
Jean-Paul Fargier
Miércoles 11 de noviembre, 21 hs.
Wall
James Lee, 2006 – Malasia, 13 min.
James Lee es uno de los principales directores de la llamada Nueva Ola Malaya, un grupo de jóvenes realizadores que colaboran mutuamente en proyectos concretados en video digital. “Wall” es un cortometraje que pone en escena, mediante un único plano estático, una performance de danza como trasfondo metafórico de una crisis de pareja. Austeridad y rigor en un ejercicio sensiblemente hipnótico.
La hipótesis del cuadro robado
Raoul Ruiz, 1979 – Francia / 66 min.
Trampas, fabulaciones, falsas pistas, “La hipótesis del cuadro robado” constituye una puesta en escena irónica de un laberinto de especulaciones, de un interminable espejismo de reflexiones y reflejos engañosos habilitados por una serie de cuadros (con uno faltante: el cuadro robado) que, en apariencia, esconden un enigma. A partir de una reconstrucción minuciosa llevada a cabo mediante 'cuadros vivientes', un guía invisible y un coleccionista nos llevan estableciendo entre ellos relaciones alucinadas que develan un complot místico, un antiguo culto siniestro.
La representación pictórica es analizada mediante el dispositivo cinematográfico construyendo, nuevamente, el reflejo paranoico de un mundo en el que todo es misterio, mentira o engaño.
Miércoles 18 de noviembre, 21 hs.
Home Stories
Matthias Müller, 1990 – Alemania / 6 min.
En este breve trabajo, Matthias Muller, uno de los más destacados realizadores del cine experimental alemán, recurre a la técnica del found footage (metraje encontrado) para poner en escena una mirada reflexiva sobre los mecanismos narrativos y los estereotipos femeninos del cine hollywoodense. Varias 'stars' de diversas películas componen, desde el montaje de gestos y acciones repetidas, una escena imposible protagonizada por una única mujer-monstruo; el puro estereotipo de Hollywood en un increíble trabajo de rastreo y montaje.
Misterioso objeto al mediodía
Apichatpong Weerasethakul, 2000 – Tailandia / 83 min.
Estamos dentro de un auto donde un hombre 'vocea' sus productos. También hay una mujer, que llora al contar su desgracia. Esta es la primera historia, emocional, melodramática. Pero luego es sorprendida por la voz del director que interrumpe y le dice que ahora puede contarle otra cosa, no importa si es ficción o realidad, un sueño tal vez, y así comienza este curioso film de uno de los más importantes directores surgido del cine en los últmos años.
A partir de allí, Weerasethakul se atreve a contar una historia que es ni más ni menos la de cómo nace o se inventa, y como vive o se transforma una historia; el juego o proceso o azar en el que cada narrador oral rehace o deshace o hace una nueva versión (mediante la técnica del 'cadaver exquisito'), proceso que es seguido hasta que lo que experimentamos es la sensación real/irreal de que no sabemos en el fondo nada de esa historia, excepto, tal vez, que se transforma continuamente.
“Misterioso objeto al mediodía” es una película inclasificable que se centra en su propia construcción, y también es un viaje a través de Tailandia, porque es la misma gente del pueblo, en un recorrido de punta a punta del país, la que va haciendo y deshaciendo a su antojo esta historia mutante e inhasible, en proceso de construcción constante.
Miércoles 25 de noviembre, 21 hs.
Tarachime / Nacimiento y maternidad
Naomi Kawase, 2006 – Japón / 38 min.
Naomi Kawase es una de las directoras japonesas más notables de su generación. Más conocida por sus ficciones, Kawase viene construyendo desde muy joven una 'pequeña' obra documental de carácter íntimo. Un diario personal, una serie de films como apuntes de su vida: la búsqueda del padre ausente, la abuela que la crió, su maternidad. “Tarachime” es parte de esta veta de su obra, un relato conmovedor en el que aborda la muerte de su abuela y el nacimiento de su primer hijo.
The sweetest sound
Alan Berliner, 2002 – EEUU / 60 min.
Alan Berliner, después de concentrarse en su entorno familiar, vuelve la cámara hacia sí mismo para establecer un ensayo personal sobre la búsqueda de la conexión entre los nombres y la identidad. Una búsqueda histórica sobre el origen de los nombres, sobre el por qué de la elección de sus padres, sobre los inmigrantes en EEUU, sobre sociedades que reunen gente que comparte el mismo nombre, y, entre muchas cosas más, sobre los otros Alan Berliner con quienes organiza un curioso encuentro. Sin dejar de lado su humor habitual, Berliner parte en “The sweetest sound” del cuestionamiento de su propio nombre y desde ahí compone un ensayo poético y profundo sobre la identidad humana.
Ciclo-Taller sobre análisis de cine moderno, contemporáneo, y experimental
Dictado por Gustavo Galuppo
Teatro Del Rayo – Salta 2991, Rosario
Los miércoles de noviembre desde las 19 hs.
Informes e inscripción:
ggaluppo@yahoo.com
laboratorio@elrayomisterioso.org.ar
Inscripción al taller (incluye proyecciones del ciclo): $80
Entrada proyecciones: $5
Este taller propone un recorrido por diversas cuestiones relacionadas con la representación que se han convertido en fundamentales desde la ruptura provocada por el cine moderno en la década del 60. Ejes temáticos estructurados en torno a problemáticas específicas, planteos que han resultado puntos de inflexión en el pensamiento del cine y del audiovisual en general. Sin conservar un posible orden histórico ni diferenciar formatos o categorías, las diversas manifestaciones del cine y el video serán abordadas desde la reflexión suscitada por sus más radicales búsquedas formales, por los más profundos replanteos del esquema narrativo clásico.
La modalidad del taller tendrá como base el desarrollo de estos temas puntuales (ver más abajo) graficados con la exhibición de material relacionado (obras cortas o fragmentos), para cerrar cada encuentro con la proyección de un largometraje completo acompañada por un corto. Esta presentación doble intenta producir un diálogo entre obras que abordan el punto tratado desde ópticas diversas.
A los participantes del taller se les entragará un cuadernillo con una selección de textos en los que algunos de los teóricos contemporáneos mas destacables desarrollan los temas abordados: Raymond Bellour, Pascal Bonitzer, Jacques Aumont, y Raquel Schefer.
Las proyecciones que comienzan a las 21 hs. son abiertas al público en general, independientemente de la participación en el taller.
Contenidos del Taller
La detencion de la imagen / el cine 'revelado' por la fotografía
(sobre cortos o fragmentos de obras de E.J. Marey, J-L Godard, Toshio Matsumoto, Isaki Lacuesta, Agnes Varda, Bill Viola, Sergei Losnitza)
Jean-Luc Godard, con “Sálvese quien pueda (la vida)”, de 1980, hace entrar al cine narrativo en una instancia autorreflexiva hasta entonces inédita (aunque ya existente en el cine experimental); la imagen-cine es detenida, analizada, llevada hasta el fotograma para congelar el flujo de imágenes y exhibir la materialidad misma del cine. Allí se establece otra relación de la imagen-cine con el espectador (por medio de la fotografía), una ruptura, una suspención. Este gesto, esta operación ampliamente difundida después por el dispositivo analítico del video, es abordado aquí desde ópticas, implicancias, y autores diversos, tomando como eje la visión del tema ampliamente desarrollada por Raymond Bellour en muchos de sus textos.
Diálogos: algunas cuestiones sobre la puesta en escena híbrida / cine-teatro-pintura-video-digital
(sobre cortos o fragmentos de obras de Hans J. Syberberg, Marguerite Duras, Masahiro Shinoda, Seijum Suzuki, Woody Vasulka, Pat O'Neil, Mihau Grecu)
Si algo destituye el cine moderno no es lo 'narrativo', sino ese 'sistema de emociones comunes' (la risa, el llanto, el temor) sobre el que el cine clásico sustentaba su eficacia, su relación de dominio con el espectador (la famosa indentificación). Mediante la hibridación de la puesta en escena se elabora un distanciamiento que no anula la posibilidad narrativa, sino que la sumerje en un sistema de emociones más complejo, reflexivo, libre y poético. La imitación de la percepción natural, del efecto de realismo en la imagen, es sustituido por una composición en la que se incluyen elementos del teatro y de la pintura, y en la que el video llega finalmente para des-representar, para quitarle lo en apariencia 'natural' a la imagen. Otra imagen nace con el cine moderno, más ligada al cine experimental y al videaorte; una imagen que descree de 'lo real', o que lo reinventa a través de variados procedimientos de puesta en escena. Una imagen que basa su relación con el espectador en la mirada reflexiva antes que en la identificación.
Tanto Pascal Bonitzer como Jacques Aumont, son lo teóricos que más han buceado en esta problemática.
La (de) construcción de la ficción / o la ficción autorreflexiva
(sobre cortos o fragmentos de obras de Alain Robbe-Grillet, Sebastian Diaz Morales, Pere Portabella, Hong Sang-Soo, J-L. Godard)
Si la imagen ya se ha detenido, si la puesta en escena se ha alejado de la represenación realista, es ahora el relato el que se pone en crisis, pero no mediante la negación (como en el cine experimental) sino a través de un gesto autorreflexivo. La narración exhibiendo el mismo proceso de su construcción, pensándose a si misma. Ya nada es transparente, nada es ingenuo en este cine, no estamos frente a acontecimientos que se entregan como 'veradaderos'; estamos frente a la pura construcción del relato, a sus mecanismos íntimos, al puro artificio del funcionamiento narrativo del cine.
En primera persona /reflexiones, diarios, autorretratos, videocartas
(sobre cortos o fragmentos de obras de Shuji Terayama/Shuntaru Tanikawa, Naomi Kawase, Stan Brakhage, Edgar Endres, Guillermo Cifuentes, David Perlov, Jonas Mekas, Andres Denegri, Chris Marker, Hernan Khourian, J-L Godard)
De la literatura al cine; la enunciación en primera persona, un terreno conflictivo, un territorio cinematográfico de litigio (el gran escollo de la enunciación narrativa). Podría decirse que el “Yo” escrito no tiene un paralelo en la imagen-cine, sin embargo diversos procedimientos se ponen en marcha en la historia del audiovisual (y aún más desde la tecnología del video). Autobiografías, autorretratos, diarios filmados, cartas 'escritas' en video; una gran multiplicidad de procedimientos se han puesto en funcionamiento para estalecer el 'yo' como presencia fundante, ese nexo entre lo íntimo y lo público, entre lo privado y lo universal. Acerca de ello, nuevamente Bellour es uno de los grandes exponentes teóricos, pero también Raquel Schefer. A partir de ellos se abordará un cuerpo diverso de obras centrados en esa cuestión.
El ciclo /Programa
Miércoles 4 de noviembre, 21 hs.
Coloquio de perros
Raoul Ruiz, 1977 – Francia / 22 min.
Este extraño cortometraje es tal vez una de las obras más notables del prolífico y virtuoso Raoul Ruiz. Construído íntegramente por fotos fijas (con la excepción de los inserts que hacen referencia al título), en pocos minutos elabora una enigmática trama cíclica en la cual la misma historia se encarna en distintos personajes. Los habituales universos intrincados de Ruiz cobran forma en “Coloquio de perros” a partir de la sucesión de instantes, una alucinada cadena de instantáneas fotográficas que parece decir que el cine a fin de cuentas no es movimiento, sino tiempo, pero un tiempo puramente cinematográfico.
Día tras dia
Jean Daniel Pollet / Jean Paul Fargier, 2007 – Francia /65 min.
“Jean-Daniel Pollet habita el mundo igual que su casa: inmóvil. Un grave accidente lo dejó clavado ahí, en ese lugar: una casa en el centro de un gran jardín. No puede recorrer el mundo: lo contempla día tras día desde su casa. Él es cineasta. Ha vivido sólo para hacer películas. Se imagina haciendo un film con todas sus imágenes fijas, reviviendo por su conjunción, yuxtaposición, sucesión.
Esto es terrible. Estaba escribiendo el guión para la película de mi amigo Jean-Daniel Pollet y ahora, después de su muerte, tengo que dirigir este film, tragar toda la tristeza- (…) Las imágenes de esta película ya existen, y al mismo tiempo no existen. No son las verdaderas imágenes de la película. Aunque estén en el orden correcto, solamente forman un álbum. No son todavía un film. Estas fotos son retoños que deben crecer, florecer, volverse imágenes”.
Jean-Paul Fargier
Miércoles 11 de noviembre, 21 hs.
Wall
James Lee, 2006 – Malasia, 13 min.
James Lee es uno de los principales directores de la llamada Nueva Ola Malaya, un grupo de jóvenes realizadores que colaboran mutuamente en proyectos concretados en video digital. “Wall” es un cortometraje que pone en escena, mediante un único plano estático, una performance de danza como trasfondo metafórico de una crisis de pareja. Austeridad y rigor en un ejercicio sensiblemente hipnótico.
La hipótesis del cuadro robado
Raoul Ruiz, 1979 – Francia / 66 min.
Trampas, fabulaciones, falsas pistas, “La hipótesis del cuadro robado” constituye una puesta en escena irónica de un laberinto de especulaciones, de un interminable espejismo de reflexiones y reflejos engañosos habilitados por una serie de cuadros (con uno faltante: el cuadro robado) que, en apariencia, esconden un enigma. A partir de una reconstrucción minuciosa llevada a cabo mediante 'cuadros vivientes', un guía invisible y un coleccionista nos llevan estableciendo entre ellos relaciones alucinadas que develan un complot místico, un antiguo culto siniestro.
La representación pictórica es analizada mediante el dispositivo cinematográfico construyendo, nuevamente, el reflejo paranoico de un mundo en el que todo es misterio, mentira o engaño.
Miércoles 18 de noviembre, 21 hs.
Home Stories
Matthias Müller, 1990 – Alemania / 6 min.
En este breve trabajo, Matthias Muller, uno de los más destacados realizadores del cine experimental alemán, recurre a la técnica del found footage (metraje encontrado) para poner en escena una mirada reflexiva sobre los mecanismos narrativos y los estereotipos femeninos del cine hollywoodense. Varias 'stars' de diversas películas componen, desde el montaje de gestos y acciones repetidas, una escena imposible protagonizada por una única mujer-monstruo; el puro estereotipo de Hollywood en un increíble trabajo de rastreo y montaje.
Misterioso objeto al mediodía
Apichatpong Weerasethakul, 2000 – Tailandia / 83 min.
Estamos dentro de un auto donde un hombre 'vocea' sus productos. También hay una mujer, que llora al contar su desgracia. Esta es la primera historia, emocional, melodramática. Pero luego es sorprendida por la voz del director que interrumpe y le dice que ahora puede contarle otra cosa, no importa si es ficción o realidad, un sueño tal vez, y así comienza este curioso film de uno de los más importantes directores surgido del cine en los últmos años.
A partir de allí, Weerasethakul se atreve a contar una historia que es ni más ni menos la de cómo nace o se inventa, y como vive o se transforma una historia; el juego o proceso o azar en el que cada narrador oral rehace o deshace o hace una nueva versión (mediante la técnica del 'cadaver exquisito'), proceso que es seguido hasta que lo que experimentamos es la sensación real/irreal de que no sabemos en el fondo nada de esa historia, excepto, tal vez, que se transforma continuamente.
“Misterioso objeto al mediodía” es una película inclasificable que se centra en su propia construcción, y también es un viaje a través de Tailandia, porque es la misma gente del pueblo, en un recorrido de punta a punta del país, la que va haciendo y deshaciendo a su antojo esta historia mutante e inhasible, en proceso de construcción constante.
Miércoles 25 de noviembre, 21 hs.
Tarachime / Nacimiento y maternidad
Naomi Kawase, 2006 – Japón / 38 min.
Naomi Kawase es una de las directoras japonesas más notables de su generación. Más conocida por sus ficciones, Kawase viene construyendo desde muy joven una 'pequeña' obra documental de carácter íntimo. Un diario personal, una serie de films como apuntes de su vida: la búsqueda del padre ausente, la abuela que la crió, su maternidad. “Tarachime” es parte de esta veta de su obra, un relato conmovedor en el que aborda la muerte de su abuela y el nacimiento de su primer hijo.
The sweetest sound
Alan Berliner, 2002 – EEUU / 60 min.
Alan Berliner, después de concentrarse en su entorno familiar, vuelve la cámara hacia sí mismo para establecer un ensayo personal sobre la búsqueda de la conexión entre los nombres y la identidad. Una búsqueda histórica sobre el origen de los nombres, sobre el por qué de la elección de sus padres, sobre los inmigrantes en EEUU, sobre sociedades que reunen gente que comparte el mismo nombre, y, entre muchas cosas más, sobre los otros Alan Berliner con quienes organiza un curioso encuentro. Sin dejar de lado su humor habitual, Berliner parte en “The sweetest sound” del cuestionamiento de su propio nombre y desde ahí compone un ensayo poético y profundo sobre la identidad humana.
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